Old Imperfetta Ellisse - Archivio di imperfettaellisse.it

Greta Rosso - MANUALE DI INSOLUBILITÀ - Lietocolle, 2015 (collana Pordenonelegge)

Articolata in tre sezioni (un complesso sistema di eventi intempestivi; fingemmo di scaricare le unghie, scriverci in petto; il nostro amore al di fuori della legge) anche questa raccolta esplora uno spazio personale e intimo, un altro di quelli che io chiamo "universi ristretti", nel quale Greta si muove bene, registrando sollecitazioni antiche e nuove. Lo spazio è ristretto anche fisicamente, sostanzialmente domestico, custode di momenti o visioni o accadimenti che essendo domestici dovrebbero portare in sé qualcosa di familiarmente confortante e invece spesso - e questo fa parte della poesia come linguaggio di relazioni - fungono da agganci o trampolini per salti di riflessione, per diversioni centrifughe su toni nostalgici o di rimpianto, o diventano scenari per un soliloquio interiore. Il passaggio spesso avviene per intenderci dal concreto, dalla nominazione del reale ad una articolazione astratta del pensiero, come una sfocatura dello sguardo che si ritrae nel pensiero stesso, perdendo di vista l'oggettualità (e del resto le cose sono "impilate in mucchi a dissolvere"). Altre volte avviene un percorso inverso, dalla riflessione malinconica o dal rimpianto verso un oggetto, visto però in funzione simbolica o metaforica, in una specie di trapasso dal ricordo - per esempio - a qualcosa che non solo è concreto ma è anche costante o ciclico, cioè qualcosa che segnala il tempo, in qualche modo lo misura (la neve, spesso presente, tanto per dirne una), quel tempo che, per capire, "mi tolse il padre e mi diede il temporale a / tuonare fra le mani". O ancora il paesaggio come topos esistenziale da trascendere emblematicamente ("malauguratamente non siamo una / spiaggia in inverno nella quale uomini / col berretto calato sulla fronte cerchino / monetine"). Naturalmente questi passaggi sono il terreno privilegiato del linguaggio, una lingua poetica puntuale che Greta utilizza in genere molto bene, nella quale a volte - raramente - si perde, specie quando scivola su un côté simbolista e involuto, dal riflesso esistenziale però intimo a tal punto che il lettore rischia di rimanere fuori della porta (es. in un dolore riparato ad aghi, un divenire); ma comunque una lingua che serve essenzialmente a far bene il suo lavoro, quello cioè di legare, annodare, contenere in una rete di lunghi filamenti l'insolubile, per definizione ciò che non può essere disciolto o slegato, sia esso un legame chimico o sentimentale o qualcosa da cui, alla fin fine, non si vuole davvero essere liberati, come "un prurito dell'arto amputato". In effetti il ricordo è, nella maggior parte dei casi, qualcosa di irrinunciabile, che non ci abbandona non ostante gli sforzi, e l'obliare per un poeta credo sia il peggiore dei mali perché significa tra le altre cose obliare una lingua madre, quella emotivo/affettiva che nel caso di Rosso è elemento base, mi pare, della sua poetica in fondo  nostalgico/romantica, e della sua scrittura. Al di là del tecnicismo à la mode  del titolo, qui non c'è niente di pratico, di pronto all'uso,   anzi - come suggeriscono i titoli delle sezioni, molto più eloquenti - il tema è quello della varianza, della aleatorietà, della "finzione" (anzi "un'ipotesi di finzione", come scrive Greta), del caos o "disordine" che si voglia, degli inciampi (skàndala) che sregolano i rapporti, per lo più variamente sentimentali (che sia il padre scomparso o un uomo), che incappano nella vita, spesso dolorosamente. A ciò che "accade", sopravviene o viceversa nelle aspirazioni non arriva mai (come quel "amore mio ancora fatto in un’altra / maniera che non mi sogno nemmeno"), il linguaggio selezionato, asciutto, controllato ma fluido di Greta tende ad opporre il  suo   ordine, la sua linearità, la sua  soluzione,  anche nel senso di "legami", di patti riscritti con quell'io non arrendevole, non disposto a defilarsi che è costante in tutto il volume. Nella consapevolezza (o speranza, o obbiettivo) che la scrittura sia un ricondursi, un ricongiungersi "al nucleo (in cui / eravamo infine irrimediabilmente / uniti)".  (g. cerrai)

Il mondo caotico e il sublime

Per Aspera poesie 1990/2010 di Nicola Sguera - Delta3, 2013

La parola si respira, respira e  a noi si impone come viva e urgente: in quanto necessaria è oltremodo esigente. Da un lato ci chiede ascolto e partecipazione, dall’altro scava dentro l’atto mistico e simbolico della complicata realtà. La raccolta poetica dal titolo Per Aspera poesie 1990/2010 di Nicola Sguera per i tipi editoriali Delta3 - 2013, venuta alle stampe nella collana Pugillaria diretta da Paolo Saggese, conferisce, all’acuto lettore, il contrasto vissuto tra la consapevolezza e il dolore nostalgico dell’essere umano che eleva lo spirito a un grado catartico, verticale e illuminante. Nelle cinque sezioni si succedono, in una metrica moderna e arguta, metafore laiche e cerebrali a versi altamente spirituali che rimandano ai testi di Luzi, Turoldo, Bonnefoy e Rebora. Il potere trascendente e le sostanze concrete delle realtà passano attraverso tematiche che riguardano l’amore, il ricordo, l’immaginazione e la morte. Il caotico mondo, correlato di oggettività, non si ripiega su se stesso, ma, attraverso la mente del poeta, si riconduce all’epica della felicità, condizione auspicabile quando si celebra l’anima e l’energia vitale. La morte e la vita sono certezze a cui soccombe il mondo convertito al pensiero nobile e poetico e solamente la pulsione del riscatto, della pace donata dal Dio della speranza e della resurrezione può giustificare il sacrificio del buio, della paura, del dubbio. (rita pacilio) 

Come le chiese mattutine

vuote di uomini e inferno.

Come i cimiteri invernali,

pieni del canto di passeri

su cipressi che si curvano

al vento come monaci zen.

Passi lievi, fiammelle rosse

accese per la notte.

Sarà lunga la notte, quanto la vita stessa.

È fredda la notte, ma si spera

qualcosa fino a quando la fiamma

brucia e cola la cera

sulle tombe bianche,

sulle ossa stanche.

Mauro Sambi - Diario d'inverno - Lietocolle 2015

Non lo so con certezza ma credo che questo sia il secondo libro di Mauro Sambi - a parte un'antologia pubblicata da Campanotto in cui appare -  dopo il bel "L'alloro di Pound" di cui ho pubblicato qualcosa su IE (v. QUI) nel novembre 2010.

Sambi rimane fedele a sé stesso, anche in questo libro, e questo è un bene, perchè la lettura - è una prima ma non banale impressione - restituisce una familiarità di non poco conto, una leggibilità assoluta. Si resta o si ritorna come a casa, in un'aria tersa e complicata insieme che conosciamo bene, in cui quel che c'è da dire viene detto con una apparente semplicità lessicale e metrica che invece è frutto di un lavoro niente affatto facile. Sambi ha scelto la tradizione fin dall'inizio, non credo che nemmeno si sia posto il problema di organizzare diversamente la sua ispirazione, non aveva niente da rovesciare soprattutto perché quella tradizione ammirata, soprattutto quella italiana della grande poesia novecentesca, lo ha accolto, lui istriano di Pola. Come ebbi a dire in altra occasione, la sua non è una poesia "di confine", anzi, anche in questo libro, lo sguardo poetico è fermamente "europeo" perchè intriso di una cultura più vasta, raffinata e del tutto priva di epigonismi. Hic manebimus optime, potremmo dire con Livio (e anche con Montale). E infatti Sambi sta saldamente all'interno di una convenzione ad includere, non ha la minima intenzione di forzare il perimetro, i confini di un ambiente che poeticamente lo conforta e rassicura.

Anche la forma, qui fondamentale, guarda alla tradizione senza infingimenti. E' il sonetto che la fa da padrone, quasi ovunque, spesso quello shakespeariano (4-4-4-2) mutuato attraverso le traduzioni che Sambi ama fare del Bardo (ce ne sono diverse già ne L'alloro di Pound), una forma chiusa che, insieme al classico sonetto 4-4-3-3, abbandona raramente. Ma è certamente anche una scelta di rigore, di disciplina quasi scientifica che corrisponde al carattere dell'autore, come già aveva notato Gabriella Musetti nella prefazione a L'alloro di Pound. Insomma, come scienziato (Sambi è è ordinario di chimica generale e inorganica a Padova) lascia la sperimentazione ad altri campi, preferendo semmai la raccolta di sentimenti o suggestioni che passa sempre al setaccio culturale, per lui irrinunciabile, che le intride e le riempie di echi. Il libro percorre un tragitto, un prima durante e dopo di un viaggio, una storia affettiva e sentimentale tra Padova e Oxford e dintorni, una andata e un ritorno malinconico perché forse il ritorno è anche un distacco. Il nucleo centrale della raccolta è la sezione "In illo tempore" che riguarda appunto la permanenza in Inghilterra insieme alla persona che lo accompagnava, tutta descritta e scandita, come si conviene all'indole poetica dell'autore, in chiave di regret  shakespeariano. E' qui a mio avviso che si trovano i testi migliori, bilanciati tra narrazione (dei luoghi, dei fatti) e ascolto di sentimenti e percezioni, sempre affrontati con estrema leggerezza. Il Diario d'inverno è il diario elegiaco di una stagione metaforica che volge al rimpianto e alle ombre, di uno "scontento" - per usare ancora le parole del Bardo - forse in attesa di una nuova "gloriosa estate".

Se il libro mostra qualche debolezza (ma è poca cosa) rispetto alla cospicua prova de L'alloro è forse perché, io credo, c'è in Sambi, quando parla più intimamente di sé, una sensibilità e una necessità di difesa a cui fa fronte da una parte la cultura come elemento, come dicevo, di rassicurazione, dall'altra una discrezione (o forse una timidezza) che un pò filtra i suoi versi, li protegge da tracimazioni emotive. Del resto è certo, perché sono parole sue, che la poesia necessiti di una "gabbia" (v. post citato). E non è un caso, ancora, che il libro sia dedicato "al Doppelgänger", il doppio, l'altro da sé e in sé, lo specchio che si osserva con timore e attrazione. Ma resta indubbio il suo valore poetico (v. ad es. l'ultimo testo qui presentato), e il fatto che nella sua poesia risieda (sempre citando Musetti) "una interrogazione pacata ma non per questo meno profonda", soprattutto quando parla d'amore, luogo - secondo l'autore - di un limite "che porta a sfiorare il confine tra tempo e non-tempo, ma contemporaneamente ne sancisce l’invalicabilità". (g.c.)

Marina Pizzi - Plettro di compieta - Lietocolle 2015

Compièta, nella Liturgia delle Ore della Chiesa cattolica, è l'ultimo atto di una giornata di preghiera, dopo i Vespri. Si recitano salmi e si cantano inni prima di andare a dormire. Domani è un altro giorno, e si ricomincia da capo. Ma se per caso il domani non dovesse arrivare, l'anima sarà salva. E' dunque una metafora del compimento di una vita ammodo, almeno dal punto di vista dell'anima, cominciata con il mattutino, all'alba, una specie di ri-nascita.

Non so se Marina Pizzi avesse in mente qualcosa del genere quando ha raccolto questo libro, pensasse di "suonare" a modo suo,  col suo plettro, una parabola che si avviasse a qualche compimento. Ho qualche motivo per dubitarne, come pure del fatto che in questa poesia lei intenda trasfondere  una serenità benedettina. Non escluderei invece una vaga allusione a qualcosa d'altro, una pietas di substrato che dovrebbe essere di ogni poesia. In fondo le speculazioni sui titoli espongono a qualche pericolo di misunderstanding, proprio come avviene in finanza. Mi sembra invece più significativo il sottotitolo, "Novantanove poesie 2008-2014", che credo racchiuda un paio di indicazioni, una sul carattere di "raccolta" o canzoniere, abbastanza insolita per Marina, che a sua volta stabilisce dei confini temporali, un prima e un dopo; l'altra sul costante fascino che i numeri hanno su di lei (quel "novantanove" ammetto mi ha fatto sorridere), con la loro infinita serialità (e infatti non vale dividerli in quattro sezioni come in questo libro) e - infine - l'eternità che racchiudono in sé.   Spessissimo infatti i suoi libri sono un insieme di testi numerati secondo la serie cardinale che lasciano sempre una sensazione di work in progress, di qualcosa che termina solo momentaneamente. Del suo stile, della sua scrittura, del suo sistema metaforico e immaginativo ho scritto in diverse occasioni (è possibile recuperare quegli interventi, che vi invito a leggere,  tramite questo TAG), e qui aggiungerei solo alcune cose. di rinterzo.

Per quanto possa apparire strano, per me e per chi conosce Marina, la prima cosa che risalta è la vena lirica che attraversa tutta la raccolta,e mi pare che le poesie che ho scelto lo dimostrino. E' apparentemente qualcosa di inedito, che tuttavia tornerebbe con quello che si diceva del titolo, cioè come un modo di ripensare le cose sul far della sera (e a ben vedere questa vena, molto ben mimetizzata, è riscontrabile in tutto il suo lavoro). Mi pare nel complesso che la nota agra e "arrabbiata" che persisteva nella poesia di Marina, la sua diuturna lotta con il mondo, con il malessere del vivere, con le delusioni e le perdite,  in questo libro si siano variamente mitigati, non per rassegnazione ma forse per una diversa coscienza di un limite intrinseco alle cose, alla vita stessa contro cui alla fine è inutile continuare a sbattere, per il riconoscimento di una qualche sensatezza nelle cose che accadono, di una loro leggibilità. Certo, il linguaggio continua a richiedere al lettore la dovuta attenzione, continua la lotta di Marina con le parole per  estrarne con certa violenza l'indicibile, anzi per addossare ad esse una ulteriore significanza, una responsabilità, forse una colpa; continua il coagularsi dei testi intorno a parole feticcio (animula, ascia, gerundio, cipressi, meringa ecc. che non di rado rimbalzano da un testo all'altro, e a volte deragliano) e in brevi ma intense immagini in cui l'occasione (l'ispirazione) si contorce in visioni spesso di un surrealismo inquietante alla Max Ernst, ma sostenute da un sottofondo musicale segnato da non rari endecasillabi o almeno dalla scelta di sonore parole piane in chiusa del verso. Dal punto di vista della lingua poetica Marina non è mai stata una autrice "facile", come certo non lo era quella che ritengo il suo nume tutelare, Amelia Rosselli. E' sempre necessario, leggendola, cercare di individuare un nucleo, una associazione per quanto astratta, una metafora in genere più concettuale o cognitiva che meramente retorica o analogica ("mia madre è stata un piatto / da schianto sulla terra / una leccornia di vita"), il suo linguaggio è - mutuando il concetto dall'informatica -  di basso livello, cioè molto vicino alla "sorgente" del pensiero, umano o di macchina che sia, ma anche ad una percezione quasi nervosa del dolore e della "privazione" (intendendo questo termine in senso ampio).

Certo questo non significa che quella di Marina sia "solo" una scrittura effusiva, sorgiva o "automatica". Credo che ci sia dietro anche un intenso lavorio, spesso ansioso e insoddisfatto, ma che questo lavorio consista appunto (e qui forse sta il suo valore di ricerca) nel mantenere un equilibrio,  in bilico sul fulcro di quel livello espressivo di cui dicevamo, tra "sorgente" e comunicazione, un equilibrio che sembra per lei vitalmente necessario, al di là di eventuali compromessi con chi legge. Se c'è un punto critico, come ho scritto altre volte, è quello di una serialità stilistica, di una "maniera" o modulo replicabile, una specie di labirinto borgesiano di cui i compatti testi di Marina costituiscono le pareti. Ma forse anche quello è a sua volta significativo di una impossibilità, di una mono-tonia del tempo, di una invariabilità, di una "meccanica" dell'esistenza. O forse è solo un modo di vivere (e di vivere la poesia) a cui è difficile sfuggire. (g.c.)

Daìta Martinez, nel libro di poesie La bottega di via Alloro, edita LC, 2013, accompagna il lettore, utilizzando elementi narrativi ed evocazioni di cose, luoghi, emozioni, in un reale vitale topograficamente identificabile. Si tratta di una bottega che un tempo era situata in via Alloro, nella zona del centro storico di Palermo. Come spiega il prefatore Nicola Romano, via Alloro ‘prende il nome da un rigoglioso albero di lauro (simbolo arcaico e augurale) che fino ai primi anni del 700 verdeggiava nel cortile d’un prospiciente palazzo nobiliare … dove oggi residuano soltanto antichi palazzi in parte restaurati, magazzini abbandonati, botteghe artigianali e qualche negozio, è per evidenziare che, nonostante sia cresciuta tra il richiamo di vetrine scintillanti di moda … ’ l’autrice prova un sentimento nostalgico. Martinez confessa la sua natura perlustratrice e conoscitiva e lo fa con movimenti metaforici che richiamano forme raffinate della poesia ermetica e intricata del novecento. L’uso del simbolismo e spesso del surrealismo consentono al verso un’esaltazione sonora ben riuscita che fa assaporare al lettore i cromatismi della pregiata tecnica versificatoria. La visione delle cose restituite e riconosciute in modo contrastato, a volte inespresso con parole nominate in spazi visibili ed echeggianti, linguisticamente impenetrabili, è collocata in luoghi e spazi perfetti perché pronunciata nel mistero emozionale della parola ‘via’. La ‘via’ per Martinez ha la definizione consolatoria della ri-creazione del mondo inteso come condizione umana in una situazione di continua percorrenza, di perenne cammino. ‘Via’ come vita che incarna bellezza lungo un viaggio che riprende l’accudimento degli esseri viventi e persino degli assenti, cioè di coloro che in quella bottega sono ‘passati’, hanno amato, medicato, creato, ritrovato, incontrato, riconciliato anime. L’esperienza dell’incontro è il tema dominante dell’intero percorso di questo lavoro poetico che si immerge nella scrittura contemporanea con un peso specifico significativo. Riaffiorano attese, storie, personaggi, alcuni particolari della quotidianità, della molteplicità, corrispondenze, destini che rimandano a creature e immagini della natura che assumono forme e stati d’animo. Intravediamo emozioni, sapori, odori, atmosfere, misteri, luci, temi, preghiere, desolazioni, sconfitte, disillusioni, cose lievi, riferimenti alla memoria inconsolabile di cose che non ci sono e non accadranno più. Resta visibile, invece, la diversa prospettiva di chi rimane nei paesaggi modificati, nelle appartenenze del ricordo, i volti della metrica che sviluppano geografie contrarie, eppure simili, animando sensazioni e ritmi quasi a pulsare i cuori di chi passa, guarda e qui, legge. (rita pacilio)

Nadia Agustoni - Il mondo nelle cose - LietoColle 2013

Un codice di paragone che cerca, nel linguaggio poetico, la spiegazione al complesso reale che si rimodula e si rimescola nella centrifuga metaforica del compromesso con le cose appartenenti al mondo: nasce così l’ultimo lavoro di Nadia Agustoni, Il mondo nelle cose (LC 2013),  come una tenuta forte dell’eterno collasso identitario di ciascuno di noi. In poesia, l’anima si sveste di paradigmi e incoerenze e cerca, nella parola poetica, la garanzia, seppur frammentata, dell’incarnazione possibile del senso e della fortunosa avventura, leopardianamente intesa, come ‘terrestre e celeste’. Agustoni è la plausibile viandante che sventra ogni agitazione emotiva che, la fretta e l’omertà del tempo sociale, riduce a impotenza, a tormento. Si carica, con coraggiosa personalità, connessa ai personaggi della letteratura del settecento, Venerdì e Crusoe, di ideale e reale allacciandosi al simbolismo che ha come massima aspirazione l’elevato, la bontà autentica, la ricerca della libertà. Nella parte iniziale del testo, infatti, l’autrice mette in movimento le direzioni e le evocazioni di alcuni sentimenti e meditazioni appartenenti alle fonti letterarie che dal settecento arrivano al primissimo novecento: la concezione estetico-etico-conoscitiva tende a limare la forma del Male/Buio baudelairiano scegliendo di risolverlo in un confronto con l’aspirazione di sapere che esiste l’altrove  in cui le proiezioni dualistiche possono essere messe a fuoco e risolte. Uno sguardo all’esigenza di collocarsi dalla parte della verità, in modo chiaro e autentico: l’autrice deposita, a livello letterario, l’interpretazione energica tra passato e presente soffermandosi nell’attualità nostalgica dell’eroico  inteso come organicità della controparte salvifica. L’alter ego dell’io lirico diventa l’io narrante che si proietta in un’ideazione di noi stessi come riflettori di esperienze di viaggio, di attese, di quotidianità. Nadia Agustoni avverte l’esigenza di coordinare le fragilità dei suoi personaggi per rendersi mediatrice e intermediaria tra la poesia e la costruzione rocambolesca dell’inquietudine umana e della scelta morale resa fisica, personalizzata, materia. Il mondo nelle cose  fornisce al lettore elementi per discutere e ironizzare sul miracolo della cancellazione della presenza del declino: ogni lettore può identificarsi in una minuscola particella del cosmo che si avvolge su se stessa e ruota intorno ad altre misure di paragone per sentirsi onnipresenti e per vedersi dal di fuori nei modi temporali più prossimi alla propria conoscenza, alla propria individualità. Ecco, quindi, che si scandisce la frantumazione del presente che si scontra e si fonda con il passato e poi si rende interminabile nel futuro. La poesia diventa monito, tentativo di persuasione, ardore di smembrare vendette o solitudini destinate a colpire i deboli e i meno intrepidi. Corpo Nostro PPP   è l’epilogo del vigore dell’intelletto e della spiritualità che esprime aperture di posizione, di dignità, di ripresa sociale. La visione poetica si intreccia con la comunicazione della forma, dello stile che ha un netto slancio verso il plurilinguismo, perché l’autrice sa bene quanto si possa rovesciare l’atroce dolore di tutta la vita. (rita pacilio)

Fortuna Della Porta - Metafisica dello zero - LietoColle 2012

Per riuscire a valicare l’architettura creativa del poeta bisogna premunirsi di uno spiccato spirito duttile e astuto; diventare una Penelope ermetica e silenziosa che si lascia attraversare, con pacata follia e virtù amorosa, dagli innumerevoli versi come stratagemmi o corteggiatori che le balzano incontro. Così come Ulisse che si svela ora uomo, ora luce sacra, la poesia di Fortuna Della Porta, nel suo ultimo lavoro per la collana Gral, LietoColle, 2012, arriva incarnazione densa del mito e reinventa il destino umano con la capacità di dare lettura del rovescio di una storia che ritorna per le generazioni liberate dalla polvere del passato. Per noi, lettori/Penelopi, il linguaggio qui assume il ruolo epifanico di un’apparizione che non si limita a suggerire verbalità fonetiche dei dialetti campani, ma traccia guizzi di sguardi snodati simili a esercizi asimmetrici in riferimento a memorie infantili, a cadenze, a canti quasi corporali, come ballate rappresentate in una mimesi che sembrano ricordare Valéry e le sue ‘transitions’. Ci si trova di fronte a una poesia che rimodula la trama stilistica: il significato trascende lo stesso atto poetico sormontando ogni rituale magico che rischia di intaccare il reale e i rapporti interpersonali. Sono le lingue che formano i paesaggi intimi e gli spazi culturali su cui l’uomo ha prodotto le intenzioni più ambigue e segmentate delle proprie esperienze. Le traduzioni linguistiche hanno tentato di oggettivare e omologare le diversità emozionali e pensanti di numerosi individui che, nella lingua, avevano già scritto la propria sorte con tentativi, spesso maldestri, di conservarne, il quadro intellettuale. Della Porta è una voce narrante del venturo dell’umanità e, del suo presente, ne denuncia i moderni individualismi e le stereotipate convenzioni. Attinge alle esperienze assimilate per creare un’altra inevitabile quotidianità: considera la poesia ‘seme’, ‘costruzione’, ‘matrice che permette il cambiamento possibile’ conservando il pensiero e il ‘modo di esistere’ del passato. Il mutamento sociale è nell’atteggiamento del tempo che passa inesorabile, quindi, che non può svanire senza aver lasciato in noi la traccia della passione vitale verso l’estetica del frammento, della conoscenza, dell’accumularsi dei saperi che ci consentono di sfuggire ai miseri limiti della materialità e della superficialità. (rita pacilio)

Riprendo in mano con un pò di ritardo (ma faute) questo "Secondi luce" che Anna Ruotolo mi aveva gentilmente inviato. Dicevo da qualche parte (v. Agostino Cornali qui) che i giovani - spesso - sono i più tradizionalisti. Quello che dissi per Cornali, può a mio avviso, in gran parte essere applicato a  Anna Ruotolo. Anzi, in un certo senso di più. Perchè, per quanto le affiliazioni al '900 siano evidenti (per citazione diretta o indiretta, per epigrafe ecc.), la giovinezza dell'autrice non le ha ancora metabolizzate o rielaborate del tutto. Ne ha fatto piuttosto un modo, ponendosi proprio al centro di ciò che alcuni chiamano mainstream, concetto forse un pò astratto (e anche un pò ingeneroso) ma che rende abbastanza l'idea di una poesia che corrisponde a un gusto o - detto semplicisticamente - a un canone. Di certo a quello che forse si è costruita Anna, ma anche probabilmente a quello che una buona parte di lettori si aspetta di leggere, senza che in ciò tuttavia ci sia qualcosa di artatamente premeditato. Semplicemente succede.

Nella sua prefazione Elio Grasso si esprime in maniera ellittica, affaccia alcuni concetti critici con l'aria gentile di non darlo a vedere. Accenna ad esempio a "mosse caute" (seppure decise), a una lingua che "sa dove non può arrivare", a una maturità che però "sta proprio nel fermarsi poco prima che la ricerca si disperda nella nebbia", a un "porsi dentro luoghi consumati e renderli privilegiati", a una "giovane donna attenta alla lingua storica".  Ponendo con ciò, correttamente, l'accento su un equilibrio di cui Anna senza dubbio dispone, su un suo essere "dentro la propria corrente", ma nel contempo definendo, come tentavo di fare, l'ambito poetico di Anna. Definizione che, intendiamoci, serve relativamente, trattandosi "Secondi luce" essenzialmente di un'opera prima. Con le timidezze e le cautele quindi di un'opera prima, come si diceva, e senza particolarti assunzioni di rischio, ma anche  - ed è quello che conta - con una sua indiscutibile  sincerità di fondo, quella di una poesia che potremmo definire (usando uno dei titoli) "ottativa",  ovvero del desiderio, della possibilità, dei piccoli dolori, in cui l'ispirazione, per lo più sentimentale, trova spesso soluzioni poetiche accattivanti, specialmente in alcuni accostamenti semantici che creano scarti inconsueti, e che pigiando un pò sul pedale emozionale, rendendo la lingua un pò più "maleducata" e l'io un pò più periferico, raccogliendo dati esperienziali nuovi, potrebbero portare a sviluppi interessanti. In altre parole,  evitando proprio quel "fermarsi un poco prima" nella ricerca a cui accennava Grasso, anche a rischio di assumersi appunto qualche rischio, se mi si scusa il bisticcio. Perchè l'inventiva c'è, c'è l'accortezza di schivare certe trappole del déja-vu, c'è una intelligenza poetica maggiore di quella di tanti altri coetanei di Anna che mi sia capitato di leggere. Ma poi, al di là di tutto ciò o di scelte poetiche su cui si può essere in disaccordo o meno, la cosa più saggia resta, come spesso accade, l'abbandonarsi ad una lettura partecipata, cercando di cogliere empaticamente la giovinezza di questi versi.

Ringrazio Viola Amarelli di avermi mandato questo libro. Lo avevo già letto, salvo revisioni, nella sua forma di ebook edito da Vico Acitillo, ma siccome sono della vecchia guardia questo tangibile dono di carta mi dà altre emozioni (Notizie dalla Pizia, Lietocolle 2009)
In questo libro voci di donne. Donne che danno notizie di sè, non di altri e per altri. Donne che non mediano nessun sacro, non sono strumenti di un dio, perchè la loro voce non è quella di qualcuno che le possiede, come la Pizia classica, e le attraversa. E - in virtù di questo e non ostante questo - emettono messaggi che, se necessitano di qualche interpretazione, però poi "notificano" uno stato, un livello di presenza, una identità multipla (di molte donne) e insieme singolare, emblematica. In questo senso Amarelli "è" la Pizia (una Pizia molto laica, molto moderna, anzi surmoderna in questo suo manipolare e contaminare un linguaggio mimeticamente aulico, nel cercare una "classicità" che non è affatto gioco letterario), in quanto  attraversata da una diffusa condizione femminile o, più semplicemente, umana. Che qui afferma e si afferma, piuttosto che rispondere a domande, a meno che non siano quelle implicite di chi vuole capire le cose attraversando i sensi della poesia, la sua ironia, la sua indefettibile fiducia nella parola e nella sua liturgia - ripeto - laica. Se c'è una divinità (come dice giustamente Sebastiano Aglieco altrove) essa risiede anche nella materia, nel lavoro, nel quotidiano, insomma nella vita stessa, di cui le donne sono crocevia essenziale.
Questo tipo di approccio è congeniale ad Amarelli. Sfogliando i miei "pizzini" virtuali mi accorgo  che la Pizia aveva già cominciato a parlare in "Encausto", un ebook sempre per Vico Acitillo, non so se poi confluito altrove:

Fertilità

Genero senso
significo il respiro
nel tempo e spazio che mi è capitato
conto su orthos e logos
come posso
conosco le sconfitte
me ne fotto.
M'impiglio e disincaglio
seguo corrente
fluisco la potenza
scorro celata dentro l'ineffabile
frullo maciullo
scruto l'indicibile
l'orme affioranti
i fili del discrimine.
Genero senso
limpido sia il caos
dato che fosco è l'ordine vigente

vale mia norma  la vostra
senza tema
genero senso,
mestruo.

Appunto, "genero senso". Logos, che si gonfia e matura in questo libro di cui Amarelli è, come si è detto, Pizia (interprete, tramite), ma anche corifeo, di quella identità multipla (e quindi politica) di cui dicevo prima, che si esprime e lotta "come può", per enigmi e agnizioni a cui le donne ci hanno educato. In ciò il libro è antilirico, per quanto sia d'accordo con chi ammira i passaggi lirici di cui Viola è capace, semplicemente perchè l'autrice è indistinguibile dalla sua stessa materia poetica, c'è, è qui dentro, ma è  auctor, cioè - scolasticamente - guida e testimone di queste voci poetiche, garante della loro verità (g.c.)

(Questa nota è stata poi ripubblicata sul sito di Lietocolle, qui)

Estratti di questo libro sono già presenti in vari siti. Pubblico qui solo i testi di chiusura, ampiamente sufficienti per farsi un'idea del suo valore e significativo epilogo di quanto già noto.

Coraggio nel fondere simbolo e suono trovando un linguaggio non già codificato ma personale nella sua espressione più piena. La formula sperimentata da Silvia Comoglio non ha equivalenti culturali di riferimento: l'autrice dà vita a trame leggere con grande, squisita   grazia immaginativa offre al lettore la sensazione di potersi avvicinare, per semplice abbandono sensoriale, all'infinito. Quella che si sprigiona da Ervinca è una poesia che si pone come momento di rottura sia nei confronti del linguaggio riconosciuto come codice culturale condiviso, sia nei confronti della tradizione poetica a matrice classica. Le poesie di questa raccolta sembrano, per l'uso che si fa di simboli e spazi, calligrammi estesi a rappresentare l'infinito e non più solo il figurato e, anche nello sguardo primo che precede la lettura, hanno il merito di suscitare nel lettore un' eco sensoriale.Ma, cito dalla nota di lettura, “Ervinca non si risolve solo in questo. E' un mondo in cui chi vuole può addentrarsi, provare a scoprirlo e decidere cosa sia. Tenendo però sempre presente che in Ervinca hanno un ruolo importante il suono e la ricerca fonetica, perché il suono è il tempo che continua, la vita che non si arresta”. (Maeba Sciutti)

I sogni, Iervinca, sono quattro

sull' álbero  dei forti: quattro dove vedi

tutti i tuoi bugiardi: l'ora - e il sonno e -

dove ti ho visto ed ho parlato,

dove - ti ho visto

secondo chi ti ho fatto, < secondo

cos'ho visto, e dove - ti ho parlato...

... mi baciava - di nótte - buio e testa  -

sulla barba - già cattiva: sull' ómbra - a mala bestia - di

chi sogna - e mi tradisce: → < Re che passa

se muori - benedetta...

... dópo - dopo i tétti!
                                    viéni ancora a sogno, a -

vedérmi - dove sono → dove allungo
la tréccia - di topino! e -

ti álzo come fossi
solo bacio - della carta,

                                  < solo órso - già piccino...

"Ogni volta devo superare l'imbarazzo dello spedire e far leggere. Lo so bene che la pubblicazione è anche questo, ma, nonostante presentazioni, letture, recensioni, continuo a sentirmi come se stessi esponendo la mia nervatura alle intemperie". Ho rilevato in queste parole di Bianca, in questo suo paragonarsi con una bella immagine a una foglia esposta alla pioggia, un indice sicuro della sua sensibilità poetica, ma anche di una ritrosia privata che la porta a lavorare la parola in quella che lei stessa definisce "tensione verso la limpidezza linguistica", ovvero necessità non solo di farsi comprendere ma anche di riportare le parole ad una loro purezza cristallina, meditando accuratamente la materia poetica.  Non è quindi un caso, per quanto ovvio, che Angelo Favaro, nella sua introduzione al libro, richiami la visione zen della realtà e l'algida perfezione dei Kare-sansui, dei giardini di pietra, che in quella cultura non sono solo espressioni estetiche ma anche strumenti di meditazione. In questi giardini di acqua e pietra, dice Favaro, Bianca Madeccia dispiega "una poesia in cui ogni parola ha la consistenza della pietra e l’intangibile forma dell’acqua, e al contempo come l’acqua gela in ghiaccio adamantino, così la pietra si sgretola fino alla dimensione sabbiosa e pulviscolare". La suggestione iniziale è questa, assecondata anche dalle illustrazioni che accompagnano il libro. E', in un certo senso, un gioco di prestidigitazione, come quegli intrattenitori che ti mostrano una mano, mentre con l'altra fanno scomparire gli oggetti. Forse per via di quella ritrosia di cui si diceva, uno degli "oggetti" che tendono, per quanto possibile, a farsi trasparenti è il poeta stesso (anche Ugo Magnanti in una sua bella recensione parla di distanza, di "soggettività attenuata"). C'è in effetti nella poesia di Bianca un certo "spopolamento", a favore di una visione decentrata, esterna e in qualche modo contemplativa di un ambiente fortemente metaforico. Come nei giardini di pietra, lo spazio poetico è nettamente delimitato da materiali preferibilmente semplici, in questo caso un ventaglio lessicale volutamente minimalista, fatto di parole univoche, che è uno dei punti di forza del lavoro, oltre a quello di una compattezza strutturale non sempre riscontrabile in altri (possiamo dire a questo proposito che è un libro certamente non rapsodico) e a una versificazione pulita e netta. Gli altri oggetti poetici non scompaiono ma si trasformano o si dilatano di senso, le parole concrete  - la pietra, l'acqua,la goccia, le spine, la roccia - diventano non rappresentazioni degli oggetti che definiscono ma simboli, il vocabolario in apparenza semplice costruisce architetture speculative, il procedimento metaforico è costantemente, come si conviene, induttivo, dal particolare all'universale, dall'osservazione alla riflessione, ma con un'azione sottrattiva, di alleggerimento che sarebbe  piaciuta a Calvino. Con questi mezzi (e altri) Bianca Madeccia riferisce della natura e del mondo, della complessità delle cose, del divenire, della costante trasformazione dell'esistente e dell'azione del tempo su di esso, mantenendo  la sua ispirazione sotto un costante e meditato controllo. Se a volte (raramente) esso ingenera un certo senso di raffreddamento o di calma quietistica che il poeta trasmette al lettore, basta riprendere il libro in mano e rileggere un testo affettuoso come il XIX, con quel "tu" rivolto forse a sè stessa, forse a una persona cara, per capire dove affondino le radici della poesia di Bianca Madeccia.