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Valentin Serov, “Ida Rubinstein”(1910) e Vladimir Tatlin, “Modella” (1913)

Nuda, incorporea e spigolosa quasi allo sguardo Serov ne mostra il corpo esile e sottile nella colorazione atona e opaca del profilo grigio-mercurio contro il blu aspro e ascetico del fondo. Il contorno stagliato in rilievo sulla piattezza della figura ricorda la linea netta ed essenziale di Matisse, eppure lo sguardo è vivo intenso ed abitato di una reale presenza; gli occhi da “leonessa ferita” come li definisce Serov, restituiscono un’immagine drammatica e veritiera della giovane danzatrice di inizio secolo agli antipodi dell’arte popolare e colorista della tradizione russa. In Tatlin, al contrario, lo sfondo è rosso, denso e corposo , la donna è massa, volumetria mostrata in primissimo piano attraverso la scomposizione cubista in forme possenti, astratte e geometriche. La figura appare tridimensionale quasi in un approccio analitico e cubista delle forme eppure esaltata una carnalità quasi primordiale tipica dell’anima più popolare russa.

Natan Al'tman: “Anna Achmatova”

Il ritratto della grande poetessa russa in primo piano appare sullo sfondo di un paesaggio trasformato in cristalli luccicanti di ghiaccio. L’ abito blu-diamante raffinato e sobrio si staglia sul volto dagli occhi azzurro-cristallini, leggermente di ghiaccio. L’immancabile frangetta nera fino al margine delle sopracciglia, incornicia il profilo della figura aristocratica e longilinea avvolta da un ampio scialle giallo-brillante. Cristalli lucenti scomposti in forme cubiste si stagliano ai vetri mentre il suo sguardo riservato e distante resta fissato lontano oltre la linea dell’orizzonte quasi sfuggendo a noi spettatori. Un vetro di ghiaccio scomposto separa lei da noi, la donna dal resto del mondo, gli spettatori dalla figura in una sorta di glaciazione esterna e insieme interna prigionia dei sensi. L’immagine o paesaggio interiore è già là delineato in diamanti opachi che non rinviano luce , nel blu e nel giallo in contrasto assoluto, negli angoli taglienti del volto per una posa statica e quasi fotografica. Intenso il senso di distacco della donna. Guarda oltre la linea frammentata dell'orizzonte lontano da noi mentre un senso di inquietudine o inspiegabile sospensione traspare da quel volto malinconico, proiettato oltre il limite del suo presente oppure nel presagio di un a-venire oscuro quanto il corso della storia che si preannuncia.

Avanguardia: suprematismo, rivoluzione e la nuova arte

Per lo scrittore e critico Andrej Belyj: “ Non è possibile prendere la rivoluzione come semplice soggetto nell’epoca in cui sta avvenendo. E' prima di tutto “il concepimento di forme creative che maturano nel corso dei decenni”. Tale ondata di creatività nella nuova arte detta Avanguardia esprime in primo luogo questo impeto rivoluzionario come il desiderio di vedere il mondo “con un volto nuovo” , e creare una forma per rapportarsi ad esso e un linguaggio proprio per l’arte_ ciò che la accomuna a tutta l’arte moderna europea_ ma qui in particolare con quella forza violenta che ridisegnerà esplosa nel corso della storia russa.

Suprematismo per Malevich significa uscire dalle arti figurative verso una nuova non-oggettività, il “quadrato nero” la vittoria sul vecchio simbolo rosso del sole, esprime la necessità di rifondare un linguaggio partendo dallo “zero delle forme, quel nulla da cui ha inizio il nuovo”. Il colore, la forma, il geometrismo delle proporzioni divengono l’alfabeto di questo nuovo linguaggio, i soli elementi attraverso cui si esprime l’arte che interpreta il mondo in una non-oggettività.

“Quadrato rosso” è giustamente questa immagine-segno squadrata ed essenziale che in una appena percettibile asimmetria si inserisce sul fondo bianco per esprimere un’essenza sovra-personale dell’arte. Le costruzioni suprematiste di Malevich, allo stesso modo, si dispiegano attraverso la proporzione di forme geometriche e variazioni cromatiche sullo spazio bianco del fondo per incarnare “l’infinità dell’universo”. In Olga Rozanova, differentemente, la composizione “non-oggettiva” del reale si trasforma in una “scrittura a colori” essenziale che esalta il lato sensuale, caldo e primitivo dell’esistenza nella forza vibrante e complementare dei gialli, dei blu e degli aranci.

Kandinsky

Nelle sue tele astratte definite dal medesimo impressioni o improvvisazioni pittoriche rinuncia al geometrismo delle forme così come a ogni rappresentazione realista per ricreare attraverso il colore, il ritmo e la linea le forze primarie, emozionali e vibratorie che pervadono l’universo e danno voce allo Spirituale dell' arte secondo la sua teoria dei colori. L’arte per Kandinsky è pura necessità di espressione interiore, non limitata dalle sembianze della natura, dunque astratta per eccellenza. Una pittura non figurativa liberata dall’oggetto e dalla mimesi del reale darà corpo e vita alla vera realtà spirituale dell’arte secondo Kandinsky.

“Crepuscole” (1917)

Come una musica sinfonica, la linea improvvisa di una tonalità, un umore, un’atmosfera sonora e visiva si impone, qui in un turbinio irrefrenabile di forme oscure che fanno presagire la minaccia e l’angoscia della transizione da un ordine crollato a uno ancora a venire. Ombre che si profilano minacciose sulla tela, spigoli acuminati che continuano a comparire, le striature del nero e occhi serrati puntati contro, infine un oscurarsi generale della prospettiva probabilmente specchio delle inquietudini, speranze e angosce riflesse dalla transizione storica.

“Sul bianco” (1920)

Sinfonia del bianco, simbolo di un universo dal quale tutti gli altri colori sono scomparsi come materia e sostanza. Un mondo al di sopra di tutti i suoni, di tutte le voci e lo stridere di rumori dal quale proviene un grande silenzio immenso e sconfinato ma non immobile, al contrario carico del battito tacito di un grande cuore al centro, sinfonia di tonalità tenui e complementari colma di tutte le sfumature possibili. Il colore bianco risuona come una sinfonia perfetta di suoni dove ogni nota troverebbe un proprio posto d’eccezione, con le pause e le sospensioni, gli arresti e le riprese o le virate improvvise delle linee a dare un tempo ritmico, melodico e musicale alla composizione. Un silenzio che potrebbe essere “improvvisamente compreso” nelle parole di Kandinsky.

Il "bianco" della tela ancora, è sottotitolato “what we see”, quello che vediamo, sentiamo e tocchiamo, possiamo respirare o assaporare: bianchezza di forme, una musica lieve , la scintillante e chiara luce del giorno, lo splendore di una sinfonia che ricompone in sé tutti gli altri elementi in un'armoniosa e assoluta perfezione.

Bianchezza: un cuore che batte, una grande festa delle forme, una grande danza della vita.

Sinossi del bianco: bianco mare dove pensieri di luce fluttuano in colori scintillanti e leggeri. Un mondo di corrispondenze in pallido blu, tenue verde, lucente arancio.

Chagall, “Passeggiata”(1917)

“La rivoluzione scuote”, scrive Chagall, “con tutta la sua forza, si impadronisce della personalità del singolo, del suo essere. Trabocca dai confini dell’immaginazione e irrompe nel mondo delle immagini che diventano a loro volta parte della rivoluzione”, eco e sostanza del suo spirito.

Una serie di opere pittoriche di questo periodo rappresenta il ritratto di Marc con la giovane moglie Bella in alcuni tra i quadri più lieti e gioiosi della sua produzione. Il motivo del volo, ugualmente, è l'incarnazione più viva e spontanea del gesto degli innamorati cui la terra non basta più, che prendono il volo e si lasciano letteralmente trasportare , si sollevano in aria fluttuando nell’ebbrezza leggera e gioiosa, nell’esaltazione inebriante del loro sentire come di una forza immensa d’amore che trasforma il mondo e cambia le tonalità, l'aspetto delle cose intorno a loro.

Lo spirito di libertà, di gioia di vivere rispetto alla maggior parte delle tele pessimiste e astratte del periodo trapela, inoltre, coma la speranza forse idealizzata da Chagall in un nuovo avvenire dopo la distruzione del passato zarista e nel suo punto di svolta più radicale Tale libertà l’artista ebreo-russo esule in Europa a Parigi e poi ancora a Mosca la ritrova in primo luogo sulla tela dando vita a questa “città invisibile” ricreata dalla sua immaginazione, un luogo appunto dove le figure si sollevano in volo, si rincorrono l’un l’altra nel sogno e le costruzioni si tingono di verde o di diamante, dove i cieli divengono argentei e le strade rosa, dove nella complementarietà dei due amanti l'uno si solleva da terra e trascina l’altra in volo sui cieli di questa città irreale. Il paesaggio si tinge dei colori dell’amore, del trionfo della libertà, della celebrazione della fantasia come forza travolgente e rivoluzionaria, tale la potenza e lo spirito della storia in atto.

Nel sogno di questa rivoluzione non ci sono spargimenti di sangue nè ombre di morte ma l’idillio di un paesaggio e di uno spirito rivoluzionario che trionfa di fronte ai nostri occhi e da vigore alle ali del sogno di Chagall.

Filonov, “Fiori della fioritura universale”

Le scintille accese dalla rivoluzione sono questa esplosione caleidoscopica di colori in guizzi e pennellate brillanti, in frammenti vivi e sfaccettature esplose nella visione cubo-futurista di Serov che si lascia alle spalle il mondo dopo la prima guerra mondiale devastato da morte e distruzione nella precedente tela de “Il banchetto dei re”. La rivoluzione come evento di rottura è qui un’esplosione luminosa di infinite sfaccettature di realtà, un proliferare di vita, del fervore del mondo, uno spirito utopico e chiaramente idealizzante dell’ondata di energia violenta, vitale e distruttiva che spazza via come un turbine improvviso il precedente regime promettendo vitalità, movimento e uguaglianza delle masse contro la società zarista di secoli di repressione. Vento di un vorticare colorato e tempestoso che come un turbinio di vita, una voragine di correnti centripete e volteggianti rovescia e insieme pre-annuncia un'utopia idealizzante del futuro. (elisa castagnoli)