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Marco Bellini - Sotto l’ultima pietra – La Vita Felice 2013

La poesia si mette al servizio del concreto diventando il recupero immediato degli attimi del reale quando il poeta riesce a cogliere il senso dell’esistenza con naturalezza, quasi innocente, consacrando la memoria popolare, l’appartenenza al mondo. La bontà poetica di Marco Bellini in Sotto l’ultima pietra, LVF 2013, emerge nella spiritualità delle mappe geografiche, nell’oggettività dei vissuti temporali, nel ritmo interno ed esterno alle cose che trascorrono fino all’inconoscibile e inafferrabile mistero della morte. La padronanza del verso libero e dell’utilizzo di singoli segmenti fluidi, apparentemente semplici, costruiti seguendo una metrica sciolta, spesso sincopati, non ci portano verso un destino prestabilito del verso, ma ci inducono a cercare un istinto di significato stilistico elegante e curatissimo fino al suo dettaglio più sperimentale/colloquiale/lirico. Bellini invita i lettori a fare un percorso intuitivo, geografico, geometrico, identitario e, a volte, esorcizzante: un valicare flessibile, paradossalmente introspettivo, adempiendo una scoperta di ordine mentale nelle realtà umane e territoriali alternate da tematiche narrate in immagini e racconti di culture vicine e lontane che si collegano con l’esistenza più vasta e profonda dell’intero universo. I significati arcani dei luoghi, le antiche saggezze delle donne che si riconoscono in un ruolo di subordinazione, l’intolleranza sociale, la morte e i suoi inganni si concentrano in un dire poetico moderno che può somigliare, non solo per il variare tematico, alla poesia filosofica perché, abile al canto, è capace di educare, e, intenzionalmente, è dotata di complessa autocoscienza con una funzione analogica, fondativa e discorsiva. La poesia si piega, così, al compito della conoscenza, la approfondisce, rinnova il suo sguardo su se stessa e si rende disponibile all’approdo dell’esperienza dell’istante rigenerato. La latitudine geografico/semantica è funzionale alla visione della parola poetica come profondità della realtà che accompagna il lettore verso la verticalità del parossismo dialettico caratterizzato da sguardi affidati sia a fragilità umane innestate nelle culture dei contesti, sia a incursioni di alibi e sottintesi che possono riformulare le ricognizioni dei paesaggi circostanti dal mutare delle proprie parvenze. Il tempo diventa un incipit, un punto da cui ripartire, un gioco d’infanzia, una sistemazione ambientale in cui è possibile approfondire e denominare, in forma retroattiva, l’umanità contaminata dalle azioni discontinue e intossicate dai comportamenti amorali pregressi. Bellini osserva, narra e ricuce percorrendo località prossime al fiume Adda: propone con il suo tracciato letterario-zonale un riattraversamento delle esperienze concrete degli spazi, lì dove le vicissitudini umane non vengono visitate come reliquie, ma come humus intellettualmente utile e sempre fecondo da suggerire come lezione storico/filosofica che può dettare suggerimenti e moniti. Bellini scava nel corpo materico dell’intero cosmo, fino all’ultima pietra, rimettendo in circolazione più realtà sopravvissute ai luoghi, più ideologie, più voci per resistere all’amplificazione dei codici che traducono l’estrema metafora dell’ignoto che coincide conquell’immobile puntino di luce al centro dell’universo dove ogni cosa si incontra e ogni cosa si interseca verso l’altra sponda del fiume (Charles Wright). (rita pacilio)

Alessandro Assiri, In tempi ormai vicini, Ed. CFR

Alessandro Assiri, poeta noto e “scafato” nel senso di “avvertito, che ben conosce la poesia contemporanea oltre a quella letteraria, critico ed edotto di come funzioni la macchina del successo letterario”, si presenta con un libro dal titolo ambiguo: i tempi possono essere vicini perché prossimi a venire e perché appena scorsi, tanto che ancora ne recuperiamo oggetti, memorie, scaglie usurate d’eventi, frammenti d’identità, pulsioni , evocazioni, consapevolezze dure come piccole pietre.

Le liriche del libro, suddivise in quattro sezioni dai titoli suggestivi, danno ragione dello sguardo strabico del poeta che coglie frammenti di un passato prossimo per rivisitare il presente e compiere anche l’azione contraria, dal presente al passato. In questa continua operazione transitoria l’io lirico è pressoché assente: spia dietro le scelte dello sguardo e si ritaglia il compito del lessico e del metro.

C’è un’ironia amara che pervade l’intero libro, anche le frasi fatte, il raccogliticcio verbale, sono uno strumento affilato di penetrazione dentro una realtà attuale che non si ama, così come non si è saputa amare con dura consistenza quella della gioventù che travestiva i giorni con un eskimo di sogni.

Nessun rimpianto, però, macchia questi rimasugli, né essi sono utilizzati a pretesto per rimpianti o per acrimonie; anche se non è ben chiaro perché il tempo abbia spinto in una direzione variata e contraria, la nuova realtà ci colpisce su cicatrici ormai chiuse e il dolore è ottuso dagli antidolorifici.

Ciò che si è perduto non può tornare, può essere rimpiazzato ma l’intervento mostra ancora più chiaramente la il logos e il topos del dolore: “ (…..) Rifatto fino al nome assolvi la vita che hai perduto/ un po’ da militante e un po’ da dissociato/ prima sedicente poi compagno che ha sbagliato.”.

Questa ironia, riscontrabile un po’ in tutte le poesie, ora leggera ora pungente, riverbera sull’autore stesso al quale resta come un’arma un po’ spuntata per dire di sé nei tempi , e il suo sé corrisponde a quello di tanti suoi coetanei.

Assiri poeta non ama stupire né recriminare: appartiene alla quota scarsa delle persone che non si chiamano fuori dal gioco o che colpevolizzano sempre gli altri, il caso,ecc.., per i fallimenti personali e collettivi; la sua denuncia è una autodenuncia e, soprattutto, non ha carte a discolpa né le chiede.

La sua poesia è dimessa. colloquiale, a volte brevissima riuscendo però a sfuggire all’aforisma e alla sapienzialità: “ Sul muretto coi brufoli a parlare fino a tardi/ dell’omino coi baffi con sto nome da birra e sta faccia da schiaffi.”

Chi ha gli anta alle spalle ha vissuto una scena come questa e non saprebbe descriverla meglio: poche parole essenziali, precise, scavate nei meandri della memoria.

Qualcuno potrebbe obiettare che così operando la poesia non ci porta a nessun passo in avanti. Ma quando mai è successo?

La poesia- azione appartiene alle sue origini, alla sua pratica impellente, da gulag o da frontiera; ci resta una poesia che contiene, quando ci riesce, l’esubero del sentimentalismo , e i materiali di costruzione dell’identità.

Può dirci dei mali e dei tempi a suo rischio e pericolo: a rischio dell’invettiva o di procreare un ibrido fra un io travolto dal presente e smarrito fra sirene e miraggi contemporanei.

La lucidità di Assiri è preziosa perché non ambisce stupire, né commuovere, neppure farci troppo riflettere: i suoi versi ci fanno ritrovare un amico con il quale conversare sorridendo con un po’ di amarezza per i nostri fallimenti. E questi anni duemila ci  hanno spogliato di ogni ideale e , se la colla è rimasta, come afferma Alessandro, non c’è più nulla da appendere. (Narda Fattori)

Maddalena Bertolini - Una - Giuliano Ladolfi Editore, 2012 - ISBN 9788866440833

Questo libro della Bertolini sembra situato alla confluenza di due fiumi principali, quello privato delle relazioni domestiche e familiari, e quindi della connotazione affettiva (intesa come vox media, nel bene e nel male), e quello del personale confronto con la natura, posta come metro di misura del sé e forse monito di una limitatezza di cui conviene tener conto. Nel primo flusso si depositano non solo le dinamiche familiari e gli appunti di una vita condivisa e di un ruolo (luogo) femminile, ma anche una consapevolezza particolare, che quel ruolo abbia un fondamento antico, centrale, e sia  fondante della sua stessa poesia. Questa consapevolezza (coesistenza) è moderna, ma anche - per così dire - apolitica, indizio ne sia la quasi totale assenza del corpo e dei suoi brani, luogo deputato e anzi - come dicevo altrove - topos di molta della poesia femminile, in cui si incrociano ancora problematiche irrisolte e dissidi, magari a discapito dell'animo. Qui no, direi che qui semmai c'è una sublimazione "materna" delle cose (anche quando si contempla un lago), senza che ci sia in questo aggettivo nulla di consolatorio o di alibi per noi uomini. Il senso è quello di una "comprensione", di un approccio che abbraccia il momento propulsivo della poesia (o ispirativo, se volete) ma senza infingimenti, anzi, quando serve, con qualche scatto d'orgoglio che certe scelte stilistiche, certi enjambement repentini, sottolineano bene. Certamente, in questa consapevolezza antica e moderna avrà anche un ruolo essenziale il fatto che, come nota in prefazione Sarah Tardino, "di secondo mestiere è levatrice  la poetessa come la madre di Seneca sa l'arte di portare alla luce...". C'è in questo anche, naturalmente, l'assieparsi di una storia personale, il coincidere di una maternità propria con quella di altre ("ho messo nella vita tanti figli / tanti urti quelle notti sbattute / le porte premute sulle assenze", ed è superfluo sottolineare cosa implichi questo ultimo termine). Il "portare alla luce"  poetico, va da sé, implica anche la necessità di controllare artisticamente l'ispirazione, di mettere a confronto "la mia / faccia e quella brutale della poesia", di addomesticarla evitando di farne un semplice e disordinato stream di coscienza.

Non c'è dubbio perciò che i testi più intensi siano quelli in cui viene rivoltata e messa in scena la quotidianità. Più intensi per alcune ragioni, tutte interessanti: la non-eccezionalità delle situazioni (ovvero la loro "normalità"), che permette al poeta di coglierne sfumature, intime essenze e forza metaforica, dichiarandone un'adesione implicita e forte;  la pulsione profonda, amorosa direi, appunto materna, quasi ontologica e primaria che mette in moto e giustifica la scrittura; l'io "sociale" che vi si esplica - a differenza di altri testi in cui la relazione del poeta è con l'esterno - ovvero un io che pur essendo centrale  non è onnivoro, ma consapevole interprete e narratore delle poetiche che in quella normalità abitano, basti leggere a titolo di esempio alcuni dei brani qui sotto.

Ma anche negli altri testi, quelli sovrastati dal paesaggio, dalle montagne anch'esse familiari e onnipresenti, che sono "bianche come bestie / ruminano neve hanno la fame", "sono piene di costole / hanno schiene glabre e vertebre, "mi si ammassano nel sangue", anche in queste poesie il tessuto principale è affettivo, sentimentale nel senso buono del termine, però di un sentimento rovesciato, di una minorità, di una infanzia implicita nel confronto con esse, di un pericolo sempre presente e sempre sfidato come farebbe un ragazzo. Per quanto ci sia il rischio di cadere, anche metaforicamente, quello che attrae Bertolini in fondo è che "la prospettiva non è tirare / avanti ma soltanto in alto", esattamente all'opposto di quanto forse accada nel quotidiano di cui si diceva. Oppure, "per quanto mi riguarda - scrive - / cammino sulle punte / di tutte le montagne". Il che è probabilmente la stessa cosa.

In entrambi i "fiumi" la poesia si "concretizza", come è giusto che sia in relazione ai temi, anche quando svicola in voli pindarici o invenzioni  metaforiche o simboliche che possono apparire a qualche occhio arcigno azzardate o ingenue  ("le lenzuola della neve", "la neve fa le fusa", "le sillabe dei larici", "la giumenta lenta della lavatrice rumina mutande") ma che finiscono per sorprenderti, per rivelarsi icastiche e funzionali al racconto. Quasi senza segni di interpunzione, apparentemente stesa di getto, ma in realtà con "la scrittura intellettuale dell'istinto" (Tardino), , la parola è spesso limpidissima e "onesta", la poesia  arriva immediata al lettore, e la sua migliore qualità è essere di "una" e di molte. (g.c.)

Matteo Maria Orlando - Mi fa male una donna in tutto il corpo – La Vita Felice 2012

L’opera poetica Mi fa male una donna in tutto il corpo, di Matteo Maria Orlando, contiene elogi d’amore narrati in versi limpidi ed espliciti dedicati alla figura femminile, contraddittoria e multicolore, quale musa di esperienze di dolore e di profondo piacere. La tematica sentimentale è il sottofondo luminoso attraverso cui il lettore può osservare il reale individuando i propri percorsi emozionali. La Poesia non è l’espressione immediata di un’emozione; è un’emozione esatta, come diceva Eliot, proprio perché reagisce alla critica immanente ed è chiamata a giustificare la propria necessità (Massimo Cacciari). Matteo Maria Orlando colloca lo sguardo emozionale sull’anima della propria amata per tracciare un percorso di levitas senza staccarsi dai luoghi e dalle cose del mondo. Come tutti coloro che vivono il linguaggio poetico, l’autore non esaurisce il pathos nel significato, ma si lascia appartenere,in tutta la sua essenza, dal logos complice che conserva potenza e nobiltà filosofica: così io parlerei se potessi fare poesia (Eliot). I verbi pronunciati, privi di retorica, sono quasi tutti al presente perché spingono impulsi e immagini verso un moto in avanti, inteso come uno spazio fisico ed un tempo storico nuovo, architettato con cura e simbolicamente, da chi scrive. La poesia qui vuole significare esperienza del quotidiano sentimentale fissando l’attenzione all’estetica reale che sembra allontanarsi dalla concezione della poesia evasiva e oggettiva del primo Novecento. Il viaggio, in cui il lettore è accompagnato, è un unico atto d’amore: un tragitto lungo vari registri morali e di senso che confessano lo stato d’animo del poeta quale individuo immerso nelle proprie sensazioni e che sa riconquistare l’energia in eterno movimento del proprio corpo (Mi fa male una donna in tutto il corpo – Borges). Orlando comunica al lettore che la propria esperienza amorosa è aperta ad infinite dimensioni culturali che dovrebbero valutarla come un campo ideologico in cui l’universalità umana partecipa in modo totalizzante, senza porsi limiti, né confini. L’io diventa noi ed ogni evento pronunciato esce dal singolo per entrare a far parte di un coagulo di esistenze che comunicano e ricercano, sorprendendosi, il senso della vita. (rita pacilio)